O que foi a Semana de Arte Moderna de 1922?

Entre os dias 13 e 17 de fevereiro de 1922, o Theatro Municipal de São Paulo recebeu um programa que não se parecia com nada visto antes num teatro daquele porte: recitais de poesia que quebravam a métrica clássica, música de vanguarda tocada ao vivo, uma exposição de pintura e escultura nos corredores, palestras sobre estética moderna. Era o ano do centenário da Independência do Brasil, e um grupo de artistas e escritores decidiu que a data merecia mais do que desfile cívico, merecia uma virada de página cultural inteira, apresentada em cinco dias seguidos, num só endereço.

Cinco dias que oficializaram o modernismo no Brasil

A Semana de Arte Moderna reuniu um elenco que hoje soa como resumo de uma geração inteira: Mário de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Victor Brecheret, Heitor Villa-Lobos. O evento foi financiado majoritariamente por membros da elite paulista enriquecida pelo café, gente como Paulo Prado, que via nesse gesto uma forma de modernizar também a imagem da cidade, então em pleno crescimento industrial e migratório. A plateia reagiu dividida: houve vaia, houve aplauso, houve gente que foi ao teatro justamente pra rir do que consideravam extravagância importada.

O que ficou depois não foi consenso imediato, foi um repertório de referências que o país inteiro passaria a usar pra falar de si mesmo: a ideia de uma arte brasileira que não precisava copiar modelo europeu pra ser levada a sério, e que também não precisava fingir que a influência europeia não existia. Era mistura assumida, não imitação nem pureza.

A faísca começou cinco anos antes, numa sala de exposição

Se existe um ponto de origem real pra tudo isso, ele fica cinco anos antes do Municipal, numa mostra na Rua Líbero Badaró. Em dezembro de 1917, Anita Malfatti expôs pinturas de influência expressionista, cores fortes, distorção deliberada da forma, um vocabulário visual que a São Paulo daquele momento simplesmente não tinha visto. A reação mais lembrada veio de Monteiro Lobato, n’O Estado de S. Paulo, num artigo depois batizado de Paranóia ou Mistificação?, publicado em 20 de dezembro de 1917.

O ataque de Lobato, em vez de afundar Anita, uniu em torno dela um grupo até então disperso de escritores insatisfeitos com o conservadorismo vigente, entre eles Mário de Andrade e Oswald de Andrade. É esse agrupamento, nascido em defesa de uma pintora atacada publicamente, que passa os cinco anos seguintes amadurecendo ideias, lendo vanguarda europeia, discutindo em cafés e salões, até desaguar no palco do Municipal em 1922. A Semana não nasceu do nada num único fim de semana de fevereiro, nasceu de uma conversa que já rondava esses artistas havia meia década.

O Abaporu, um presente de aniversário que virou manifesto

A associação mais repetida sobre a Semana de Arte Moderna liga o evento ao nome de Tarsila do Amaral, hoje a pintora mais identificada com o modernismo brasileiro. A parte da história de Tarsila que mais me interessa contar, porém, não é fevereiro de 1922, é janeiro de 1928.

Naquele mês, Tarsila pintou o Abaporu como presente de aniversário para o marido, Oswald de Andrade: uma figura solitária, pés e mãos desproporcionalmente grandes, sentada ao sol ao lado de um cacto, num amarelo e num marrom que ela descrevia como cores de terra brasileira. Foi essa tela, pintada como gesto pessoal dentro de um casamento, que levou Oswald a escrever, naquele mesmo ano, o Manifesto Antropófago, documento que lança a metáfora da antropofagia cultural: a ideia de devorar a influência estrangeira e transformá-la em algo genuinamente brasileiro, resumida na frase que abre o manifesto, “Tupi or not tupi, that is the question”. O movimento antropofágico nasce assim, com Tarsila e Oswald ao lado de Raul Bopp, e com uma imagem vindo antes da teoria que a explicaria.

Essa ordem importa, e acho um dos detalhes mais bonitos de toda a história: é comum a narrativa escolar sugerir que primeiro veio o conceito e depois a arte ilustrou esse conceito. Aconteceu o inverso. A pintura nasceu de um gesto íntimo, um presente de aniversário dentro de uma casa, e a teoria foi escrita depois pra dar conta do que a imagem já tinha proposto sozinha. É um padrão que se repete com frequência na história da arte: a prática resolve primeiro, por instinto, o que a teoria só vai nomear depois.

O que fica

O que mais gosto de guardar dessa história inteira é a textura dela: uma pintora atacada em 1917 que vira o estopim de um movimento inteiro, uma elite cafeeira financiando um evento que ajudaria a questionar os próprios valores dela, um teatro cheio de vaia e aplauso ao mesmo tempo, e uma das obras mais importantes do modernismo brasileiro nascendo como presente de casamento, seis anos depois do evento com o qual todo mundo associa o nome dela. É uma história bem menos linear do que qualquer resumo de livro didático sugere, e exatamente por isso mais interessante de contar inteira, com todas as suas pontas soltas.